纽约现代艺术馆（MoMA）是什么？这看似一个相当简单的问题，但要回答它，却并不容易。
　　成立伊始，MoMA便包含着丰富的含义。对有些人来说，这里是一个奇珍异宝的所在，是曼哈顿闹市中心的一块净土；在另一些人看来，这里是通过收藏和展览所阐释的某种观念；还有些人，则把它看做一个用于研究的实验室——在这里，最具挑战性、最难以理解的艺术，得以与那些距我们不太久远的艺术成就同处一堂，接受考量。

不怕招致争议的机构
　　从第五大道730号那个狭小的临时场所，到现在这个占据西53大街II区大半街区的大楼；从单一部门，发展成七个部门；从没有固定收藏，到拥有超过10万件藏品，MoMA一直不断地成长和变化，并阶段性地对自己进行反思。1929年以来，MoMA的奠基人以及关心它的人们，一直抱有一个愿望，希望它的诸多内涵和各种可能性，最终        融合出均衡而完美的形态。
　　MoMA立足于一个相当简单明了的推理，即现时代的艺术——现代艺术——与过去的艺术同等重要，同样充满生命力。由此，现代艺术所包含的美学价值和思想价值，在不同媒体中均有展现：绘画与雕塑、电影与其他媒介、摄影、建筑与设计、印刷与图书插图、绘图艺术，MoMA部门的分类也循此设计。
　　MoMA就是一个实验室，这里进行的是“现代性在视觉艺术中的体现”的研究。关于“现代”一词的确切含义，艺术史上曾经有过争论并将继续争论。不管人们倾向于哪种定义，有一点似乎是明确的：只要谈及这个概念，就无法忽略MoMA在这一探索中所扮演的角色。
　　一座现代艺术博物馆，便意味着这是一个甘愿冒风险、不怕招致争议的机构，对于MoMA的理解，必须以这样的认识为开端。
　　到目前为止，MoMA通过现有六个收藏部门的有效运作，已经拥有了空前的收藏规模。这些藏品跨越了150多年，从19世纪中叶直到今天。我们依据艺术媒介的种类对部门进行分类，以探索现代主义思想和理念在不同领域中的表现形式。
　　这种机制，使得MoMA有能力对其拥有的数量可观的艺术品进行研究和整理。近年来，各展厅的分布也是以这样的部门结构为基础。然而，这种基于分类学的方式对藏品从形式到概念进行了明确的界定，在许多情况下，对现代艺术作出了相对死板的解读。最近15年间，MoMA越来越意识到采用跨媒介的方法介绍藏品的重要性，原来按照部门划分展馆空间的做法，正逐渐被一种新的理念所调整，那就是对藏品进行更综合、更全面的解读，艺术作品之间的关系也因此更加异彩纷呈。

积累与构成的复杂
　　MoMA藏品数量的增长速度基本平稳，有时也颇为惊人。1929年（艺术馆成立的那一年），艺术馆获得了第一批收藏，包括阿里斯蒂德马约尔的雕塑《法国岛》。但直到1931年，建馆理事莉莉P.布利斯捐赠了她的116幅绘画、版画和素描（包括塞尚的《浴者》《松树与岩石》和《有苹果的静物》，高更的《月与地》）后，藏品收集工作才算真正展开。
　　到1940年，馆藏数量增长到2590件，包括519幅素描、1466幅版画、436幅摄影作品、169幅绘画和1700件电影作品。20年之后，增长到1.2万件。到1980年，这一数字已经超过了5.2万。今天，
拥有6000幅素描，5万幅版画和插图，2.5万幅摄影作品，3200件绘画和雕塑作品，2.4万件建筑及设计作品，2万件电影、录像及其他媒介作品。
　　部分最重要的藏品收集于二战时期，如毕加索的《亚维侬少女》、马蒂斯的《蓝色窗户》、梵高的《星夜》和蒙德里安的《百老汇爵士钢琴曲》。之所以如此，最重要的原因是，纳粹德国抛售了大量国家收藏中所谓的颓废艺术品；另一个原因是美国的经济实力空前强大，尤其是战争刚结束的那段时期，大批收藏家和艺术家为逃避战乱移民到美国寻求庇护。20世纪30年代，MoMA成了艺术品、艺术家和受纳粹迫害的收藏家们的一处避难所，也让美国公众结识了来自欧洲的前卫艺术。
　　收藏品的积累和构成是复杂的，它们所呈现出的形态，完全取决于收藏者的个人决策。对于MoMA来说，决策来自馆长和策展人。此外，每个部门设有一个理事会授权的工作委员会，负责具体操作该部门的收藏工作。在购进同时，也不定期出售，以便对收藏作出调整和改善。最著名的例子，应该是为了获得毕加索的《亚维侬少女》，出售了一幅德加的作品以及几件来自莉莉P.布利斯的赠品。
　　MoMA之所以能够拥有世界上最全面的现代艺术藏品，一个主要的原因在于，除了极少数例外，它从一开始就只接受无条件的捐赠。这种方式提供了重新思考和调整收藏品的能力，可以阶段性地对藏品的相对重要性进行重新评估，虽然，也会因此而付出一些作品流失到其他机构的代价。
　　关于赠品的这一策略带来的另一个结果是，艺术馆始终能够以一种自由的、不受限制的方式把任何艺术品收入囊中，并对藏品进行协调一致的展示。

更富想象力的展示
　　当一个博物馆的藏品积聚到一定数量的时候，展品的整体面貌往往会随着某些因素而发生变化。因此，所有博物馆都要通过对其藏品的归类、介绍和展示来阐述自己的理念。
　　《纽约现代艺术馆精品》（MoMA Highlights）第二版的问世，就向人们展示了MoMA收藏的丰富性，阐明了它所信奉的理念以及相关议题的多样性。这并非意味着这本书要做到包罗万象，也不是要为艺术馆的收藏盖棺定论。恰恰相反，本书的宗旨，是探讨藏品的内在复杂结构和多种多样的潜在价值。同时，我们也希望启发人们用更富于想象力的崭新方式，去理解各式各样的艺术作品。
　　书中的作品，除了按年代顺序，还使用了一些意想不到的、有启迪性的、看似随意的方式，进行了整理和编排。
　　比如，将皮埃波纳尔的《浴室中的裸体》和毕加索的《镜前少女》进行比照（两件作品均完成于1932年）。两件作品以不同的方式，对私密主题和回归内心世界进行了探索。波纳尔关注的是浴后正在擦拭身体的妻子，毕加索则把情人玛丽-特丽丝在镜前沉思和审视自身的姿态展现出来。波纳尔敏锐的观察能力及出众的画面色彩效果博得人们的赏识，也显示出他对人物心理细致入微的把握能力；毕加索则穿梭于玄秘与性爱之间的复杂领域，展示他神奇的才能，平铺大胆的色彩与粗黑的轮廓线，构成了富于韵味又有感染力的形象，同时赋予作品一种近乎图符的特征。
　　我们要表明的是：现代艺术馆的收藏是深思熟虑的规划、精心的研究以及某些偶然机缘共同作用下的结果，这些原本看似全无联系的艺术作品，在这里找到一种全新的趣味盎然的联系。

成为讲故事的场景
　　现代艺术发展之初就像一场伟大的试验，时至今日，这种秉性仍然没有改变。
　　MoMA早期曾付出巨大努力，试图从令人眼花缭乱又困惑不解的纷乱中理出头绪，努力解析各种运动与反运动之间错综复杂的关系，帮助人们总结和梳理相互冲突对立的思想。
建成之初的几十年中，曾经有种断言，现代艺术在其自身发展过程中有一条清晰的脉络，可以通过我们的展馆将这个脉络展现出来。而现在，这个看法应当由新认识取代：现代艺术和当代艺术的观念本身，就意味着多样性和对抗性。
　　40年前，前卫艺术家们（其中很多人如今被公认为现代主义大师）向那个时代的思想和观念发起了挑战；今天，我们则面临着被当代艺术家挑战。我们最终承认了毕加索、马蒂斯、蒙德里安和杰克逊波洛克的成就，但这并不就意味着他们的作品能够被我们完全理解，或普遍接受。对于MoMA来说，这意味着它的收藏品必须充当一个实验室，使公众可以在这里研究当代艺术与此前艺术之间的联系，进而继续努力对现代艺术作出诠释。
　　艺术馆为作品和参观者构架起交流的时空，成为一个讲故事的场景，许多事件在这里酝酿和发生。在这种试验与讲述的过程中，20世纪初的艺术家们（以及他们的思想）与20世纪末的艺术家们建立起一种对话。
为了成功地做到这一点，MoMA必须不断开发出新的方式去解读和介绍藏品。

　　Glenn D.Lowry：纽约现代艺术馆馆长